À propos (English version further down)

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J’ai commencé à peindre en 1995, à l’âge de quinze ans. À cette époque, je travaillais principalement à l’acrylique sur bois, ainsi que sur des toiles collées sur des panneaux de masonite. Depuis, j’ai expérimenté de nombreux médiums et supports. Aujourd’hui, je privilégie surtout les toiles montées ainsi que les papiers et cartons conçus pour l’illustration ou l’aquarelle.

Je dessine depuis toujours. Créer fait partie intégrante de qui je suis. L’art me captive, m’apaise et me transporte dans cet espace intérieur où prend forme le monde infini qui m’habite depuis aussi longtemps que je me souviens.

Ma pratique combine différentes formes d’aquarelle, des encres traditionnelles et de tatouage, plusieurs types de crayons, de la peinture acrylique ainsi que des pastels solubles à l’eau. Cette diversité de matériaux me permet de construire mes images progressivement, par superpositions, en recherchant les textures, les contrastes et les atmosphères qui correspondent le mieux à ma vision.

Je suis principalement autodidacte. Mes premières bases m’ont été transmises en 1995 par l’artiste professionnelle Suzanne Brunet, dans le cadre d’activités offertes par un centre communautaire local. J’ai également suivi, vers la fin des années 2000, une formation collégiale professionnelle en conception infographique dans un collège privé de Montréal. Cette formation m’a apporté certaines connaissances académiques en composition, en communication visuelle et en design, même si elle ne constituait pas une formation en arts visuels à proprement parler.

Tout le reste s’est construit au fil des années, par l’observation, l’expérimentation, les essais, les erreurs et une volonté constante de progresser.

Mes influences

Parmi les artistes qui ont marqué mes débuts, Bob Ross occupe une place particulière. Dans les années 1990, son approche accessible, sa générosité et sa volonté de partager ouvertement ses techniques m’ont beaucoup inspiré. Il donnait l’impression que la peinture pouvait être apprise, explorée et appréciée par tous. Son calme et sa manière de transmettre son expérience ont profondément influencé ma façon d’aborder la création.

Les œuvres de Boris Vallejo m’ont également passionné dès l’adolescence. Au-delà de la sensualité évidente de plusieurs de ses personnages, j’étais surtout fasciné par son univers. Il représentait des sujets que je voyais rarement dans les œuvres auxquelles j’étais alors exposé : des créatures fantastiques, des extraterrestres, des mythes, des monstres, des héros et des mondes étranges. Tout ce qui sortait de l’ordinaire semblait pouvoir exister dans ses images.

Parmi les grands maîtres, Léonard de Vinci demeure pour moi une figure incontournable. Bien sûr, ses œuvres visuelles sont extraordinaires, mais c’est surtout l’étendue de sa curiosité qui me fascine. Il ne se limitait pas à un seul domaine : il cherchait constamment à comprendre, à inventer, à perfectionner et à rendre possible ce qui ne l’était pas encore. Il incarnait une créativité sans frontières, mise au service de l’art, de la science, de l’ingénierie et de l’observation du monde.

Vincent van Gogh m’inspire d’une tout autre manière. Ses œuvres semblent vivantes, presque en mouvement. Ses couleurs intenses et son traitement de la lumière nous donnent non seulement l’impression d’entrer dans ses paysages, mais aussi de ressentir une part de l’émotion qui les traverse. Son style demeure encore aujourd’hui saisissant et étonnamment moderne.

Je suis également touché par le fait qu’il ait poursuivi sa démarche malgré les critiques, le manque de reconnaissance et des conditions de vie extrêmement difficiles. Il a créé une œuvre qui allait transformer l’histoire de l’art, même s’il n’a pratiquement pas connu cette reconnaissance de son vivant. Il y a quelque chose de profondément injuste, mais aussi de bouleversant, dans ce destin.

Il existe bien sûr de nombreuses autres influences dans mon parcours. Celles-ci ne représentent qu’une partie des artistes et des univers qui ont contribué à façonner mon regard.

Ma démarche artistique

Lorsqu’on me demande ce que je peins ou comment je définirais mon style, je trouve toujours difficile de donner une réponse unique.

Mon travail se situe quelque part entre l’art figuratif, l’illustration, le fantastique, le surréalisme et une certaine forme d’art brut. Mon parcours autodidacte m’a amené à développer mes propres méthodes, sans chercher à respecter rigoureusement les codes d’une école ou d’un mouvement précis.

Je suis attiré par l’étrange, l’inattendu, le sombre, l’absurde et tout ce qui se trouve à la frontière entre le réel et l’imaginaire. Mes œuvres peuvent évoquer une histoire, une émotion, une inquiétude ou un monde qui semble familier, mais qui ne l’est jamais complètement.

Je travaille lentement. Mes œuvres demandent souvent beaucoup de temps avant d’être considérées comme terminées. Je construis mes images par étapes, parfois sur de longues périodes, jusqu’à ce qu’elles atteignent l’équilibre que je recherche.

La vie, le travail et les responsabilités ont souvent pris le dessus sur mon temps de création. Je n’ai donc jamais eu une production particulièrement abondante. Depuis plus de dix ans, la fibromyalgie représente également un obstacle important dans mon parcours d’artiste.

Cette condition affecte mon énergie, ma concentration et ma capacité à travailler de façon constante. Créer devient plus difficile lorsque l’essentiel de ses forces est déjà consacré à gérer la douleur, la fatigue et les exigences du quotidien. On aime parfois répéter que les artistes produisent leurs meilleures œuvres dans la souffrance, mais la réalité est beaucoup moins romantique. Pour créer, il faut aussi du temps, de l’énergie, un minimum de stabilité et quelques moments de répit.

La fibromyalgie fait désormais partie de ma réalité. Elle explique en partie pourquoi ma production demeure limitée, mais elle ne met pas fin à mon besoin de créer.

Je continuerai à dessiner et à peindre parce que, pour moi, la création n’est pas simplement un passe-temps. C’est une nécessité intérieure, une façon de réfléchir, de ressentir et de donner une forme visible à ce qui m’habite.

Pendant longtemps, j’ai créé presque exclusivement pour moi-même, en dehors de quelques rares expositions. Aujourd’hui, j’espère pouvoir partager davantage mon univers, présenter mes œuvres à un plus vaste public et permettre à ma vision de vivre au-delà de mon atelier.

Merci sincèrement pour votre visite et pour l’intérêt que vous portez à mon travail.

Si mes œuvres vous interpellent, n’hésitez pas à partager mon site.

About Me

I have been drawing for as long as I can remember. Creating has always been an essential part of who I am. Art captivates me, calms me, and carries me into that inner creative space where the infinite world within me begins to take shape.

I began painting in 1995, at the age of fifteen. At the time, I worked mainly with acrylic paint on wood, as well as on canvas mounted onto Masonite panels. Since then, I have experimented with a wide variety of media and surfaces. Today, I primarily work on stretched canvas, as well as illustration board, watercolor paper, and other types of fine art paper.

My practice combines different forms of watercolor, traditional inks and tattoo inks, several types of pencils, acrylic paint, and water-soluble pastels. This range of materials allows me to build my images gradually, through layers, while exploring the textures, contrasts, and atmospheres that best reflect my vision.

I am largely self-taught. My first foundations were introduced to me in 1995 by professional artist Suzanne Brunet, through activities offered at a local community center. I later completed a professional college-level program in Graphic Design at a private college in Montreal toward the end of the 2000s. Although it was not a fine arts program in the strict sense, it gave me valuable academic knowledge in composition, visual communication, and design.

Everything else developed over the years through observation, experimentation, trial and error, and a constant desire to improve.

My Influences

Among the artists who shaped my early development, Bob Ross holds a special place. During the 1990s, I was deeply inspired by his accessible approach, his generosity, and his willingness to openly share his techniques. He made painting feel approachable, something that could be learned, explored, and enjoyed by anyone. His calm presence and the way he shared his experience had a lasting influence on my own approach to creating.

The work of Boris Vallejo also fascinated me from adolescence onward. Beyond the obvious sensuality of many of his characters, I was especially drawn to his universe. He portrayed subjects that I rarely encountered in the art I was exposed to at the time: fantastic creatures, aliens, myths, monsters, heroes, and strange worlds. In his work, everything outside the ordinary seemed possible.

Among the great masters, Leonardo da Vinci remains an essential figure for me. His visual works are extraordinary, of course, but what fascinates me most is the immense scope of his curiosity. He did not limit himself to a single field. He was constantly trying to understand, invent, refine, and make possible what had not yet been achieved. He embodied a form of creativity without boundaries, applied to art, science, engineering, and the observation of the natural world.

Vincent van Gogh inspires me in a completely different way. His paintings feel alive, almost as though they are moving. His intense colors and treatment of light do more than create the impression of entering his landscapes; they also allow us to feel something of the emotion passing through them. His style remains striking, surreal, and remarkably modern even today.

I am also deeply moved by the fact that he continued pursuing his vision despite criticism, lack of recognition, and extremely difficult living conditions. He created a body of work that would eventually transform the history of art, even though he experienced almost none of that recognition during his lifetime. There is something profoundly unfair, yet deeply moving, in that story.

There are, of course, many other influences throughout my artistic journey. These are only a few of the artists and visual worlds that have helped shape the way I see.

My Artistic Approach

Whenever I am asked what I paint or how I would define my style, I always find it difficult to give a single answer.

My work exists somewhere between figurative art, illustration, fantasy, surrealism, and a certain form of outsider art. My self-taught background has led me to develop my own methods without trying to strictly follow the conventions of any particular school or artistic movement.

I am drawn to the strange, the unexpected, the dark, the absurd, and everything that exists along the border between reality and imagination. My work may suggest a story, an emotion, a sense of unease, or a world that feels familiar without ever being entirely recognizable.

I work slowly. My pieces often take a considerable amount of time before I consider them complete. I build my images in stages, sometimes over long periods, until they reach the balance I am looking for.

Life, work, and everyday responsibilities have often taken priority over my creative time. As a result, I have never had a particularly large body of work. For more than ten years, fibromyalgia has also been a major obstacle in my journey as a painter.

This condition affects my energy, concentration, and ability to work consistently. Creating becomes much more difficult when most of one’s strength is already being used to manage pain, fatigue, and the demands of daily life. People sometimes like to say that artists create their best work through suffering, but reality is far less romantic. Creating also requires time, energy, a degree of stability, and at least a few moments of relief.

Fibromyalgia is now part of my reality. It partly explains why my artistic production remains limited, but it does not put an end to my need to create.

I will continue to draw and paint because, for me, creating is not simply a hobby. It is an inner necessity, a way of thinking, feeling, and giving visible form to what lives within me.

For a long time, I created almost entirely for myself, apart from a few rare exhibitions. Today, I hope to share more of my world, present my work to a wider audience, and allow my vision to exist beyond the walls of my studio.

Thank you sincerely for visiting and for taking an interest in my work.

Should my art resonate with you, please consider sharing my website.